中西方家具鉴赏论文

这种文体一般是先指出对方错误的实质，或直接批驳（驳论点），或间接批驳（驳论据、驳论证）；继而，针锋相对地提出自己的观点并加以论证。

驳论是跟立论紧密联系着的，因为反驳对方的错误论点，往往要针锋相对地提出自己的正确论点，以便彻底驳倒错误论点。

侧重于驳论的议论文是驳论文.驳论文往往破中有立，边破边立，即在反驳对方错误论点的同时，针锋相对地提出自己的正确观点.批驳错误论点的方法有三种：.驳论点.驳论据.驳论证.但归根结底是为了驳论点。

驳论文是议论文常见的论证文体，在对一些社会丑陋现象的批判与揭露上价值尤为突出，但学生在写作中往往感到不知从何驳起，无从下笔。

其实，这类文章写作有一个思路，那就是：、列现象，、示弊端，、探根源，、指出路。

本文适宜高中课文，鲁迅先生的名篇《拿来主义》为例，对驳论文的这一特征予以探析。

列现象对现实中不合道德、有碍社会健康发展的现象进行列举。

事例选取的典型性，以求警醒人们；罗列的丰富性，以求引起读者共鸣；修辞的多样性，以求彰显行文文采，增强气势。

例：单是学艺上的东西，近来就先送一批古董到巴黎去展览，但终“不知后事如何”；还有几位“大师”们捧着几张古画和新画，在欧洲各国一路的挂过去，叫作“发扬国光”。

听说不远还要送梅兰芳博士到苏联去，以催进“象征主义”，此后是顺便到欧洲传道。

大学开设选修课，旨在拓展大学生的素质和综合能力，虽然体制上存在很多缺陷，但出发点还是很好的，这些姑且不谈。

选修《西方美术鉴赏》这门课，已经不是我第一次接触艺术了，但却是印象、收获最大一堂课。

首先，来了解一下艺术：在艺术分类中，美术又称造型艺术、视觉艺术、空间艺术。

它是指艺术家运用一定的物质材料，如颜色、纸张、画布、泥土、石头、木料、金属等，塑造可视的平面或立体的视觉形象，以反映自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。

它主要包括绘画、雕塑、工艺、建筑等类型。

在《西方美术鉴赏》老师给我们讲解了许多画派的画家以及许多不同风格的作品。

我不能够真正懂得画家的画却欣赏他们的生活，他们的作品给人一种朦胧的感觉，似懂非懂，有所感悟却又无法言语。

就课上老师讲解的内容，谈谈梵高和毕加索，他们的人生可以说是截然不同，但他们都是值得后人敬仰的画家，他们画我看不透但却可以隐约的感觉到艺术家那可不平静的心。

梵高生性善良，热爱艺术，但在生活中屡受挫折，艰辛倍尝。

他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家的基础上，吸收印象派画家在色彩上的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情，富于人道主义精神的作品，然而却得不到世人的认可，最后郁郁而终。

然而毕加索的一生却是辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的画被卢浮宫收藏的画家，他性情奔放，对于生活非常的乐观，一生中画法与风格几经变化，似乎是一位一生都没能找到他的特殊艺术风格的画家。

美术鉴赏课走进大学校园是为了更好的培养大学生，提高大学生的素质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。

美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。

美术鉴赏有益于大学生灵魂的雕铸和人格的完善。

艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。

美术鉴赏有益于陶冶大学生的思想情操、提高大学生的精神境界。

通过美术鉴赏对美和艺术增进理解，无疑对提高文化素质和思想境界，都会产生不可估量的作用。

美术鉴赏可以帮助大学生开阔眼界，扩大知识领域。

在这种鉴赏活动中，是美术作品为我们提供了种种与他人产生共鸣的经历与感受，能够以一种艺术的眼光和态度看待周围的一切事物，并获得一种全新的洞察力。

在这堂课上印象最深的是：欣赏一幅画不能看它像不像，要用心去感受画家所要表现的心情、场景、意义，去感受当时画家那颗不平静的心。

其实我们的生活中从来都不缺少艺术，要看你用什么样的眼光去欣赏、去感悟。

鉴赏一件明清家具，必须从造型、工艺、材料三个方面来综合评判，造型优美、工艺精湛、材质优良才算得上精品。

以下六种方法、六个步骤具有普遍的适用性。

嗅觉于鉴赏家具最大的帮助，一方面可以判断木材的含水率是否达标。

如果闻起来有明显的发酸、发霉的味道，就说明木材的烘干不到位，或因保存不当而受潮。

另一方面，可以判断油漆的质量，优质天然漆几乎是无味的，最大程度地保留了木材的原味，劣质油漆则气味浓烈，一闻便知。

含水率达标、油漆优良的家具，闻起来清清爽爽，带有淡淡的木香。

通过嗅觉还可以分辨木材的材质。

黄花梨的清香、紫檀木的香中带辣、酸枝木的又酸又辣，行家是可以分辨出来的，然而木材一旦制成家具，尤其是椅凳、几案等暴露在空气中的家具，即便行家也无法凭嗅觉来判断材质，橱柜类家具则例外，打开柜门仍可闻出其材质。

明清家具不但大方、美观、优雅，而且很讲究使用上的舒适。

大概除了屏风以外，所有家具都应该亲身验证一下它的舒适度。

椅子、凳子、罗汉床等家具可以坐一坐，尤其是椅子，要留意座面的高度是否合适、坐上去会不会吊脚，背板是否能够贴紧背部。

橱柜类家具要格外留意高度，太高的话不但取放物品很不方便，还会造成视觉上的压抑感。

桌子则可以搬一把凳子或椅子坐在前面，感觉它的高度与宽度是否合适。

明清家具追求的舒适是一种相对的、有限制的、适可而止的舒适，因此人体验证舒适度之前，应当对明清家具的工艺思想和中国的传统文化有所了解，切不可用西式家具的舒适度作为度量标准，否则，即便坐在最完美的一把明式圈椅上恐怕也不会感到舒适。

标准来看待它们，就能挑剔出解剖、比例不够准确，质感塑造不够充分等等不足，造成欣赏上的障碍。

我们必须换一种眼光，使用我们自己民族的艺术标准和审美习惯，来欣赏中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。

这样，当我们从敦煌菩萨，晋祠侍女、筇竹寺罗汉塑像上体会到“栩栩如生”这一句成语的含义时，就不是象欣赏西方古代著名雕刻，如欣赏教材常会介绍的掷铁饼者、拉奥孔群像和奥古斯都像等等那样，是个从形到神都准确得象真人一般的概念，而只是感受到一个艺术品所传达的人的生命力、精神状态和宗教境界等等形而上的东西。

~~·五、中国古代雕塑语言精练，这是意象性衍生的另一艺术特点。

中国古代雕塑始终没有发明西方雕塑的造型术（modelling）来精确地塑造物象，而多从感觉和理解出发，象中国画一般运用经济的语言，简练、明快，以少胜多而又耐人寻味，常常给人运行成风、一气呵成、痛快爽利的艺术享受。

夸张乃至变形来强调人与动物的神韵，是普遍运用的手法，汉代四川说唱俑和霍去病墓石兽最有代表性。

这些作品只是服从作者对物象的感觉和理解，他们所关心的不是准确比例和真实效果，而是说唱者眉飞色舞，手舞足蹈的表演神情以及虎、象、马、牛、野猪等动物的不同习性和旺盛活力。

这样必须有所取舍，有所夸张变形甚至抽象，其效果更突出对象的特征，更具有艺术感染力，给人的印象更特殊而深刻。

这一点和西方近现代雕塑有相似之处。

西方近现代雕塑一反传统的写实为变形，追求雕塑语言的多变性和雕塑空间的自由性，不被客观物象所役，使艺术创造更纯粹。

中国古代雕塑实际上也是达到雕塑语言的多变性和雕塑空间的自由性这种艺术境界的。

霍去病墓石兽采取“因势象形”的手法，充分利用岩石，自然的令人联想接近某种动物的形状，只进行最低限度的艺术加工，使石兽的造形显出空间的自由而不斤斤计较于形似。

加工的语言有圆雕、有浮雕、也有线刻，是根据岩石形状与动物形象的双重需要加以多变性运用的。

这种圆、浮、线雕并施的语言，在汉唐陶俑、历代石兽以及佛教造像中均可见到。

它们使中国雕塑在精练中块面更整体，因而有时更具雕塑感甚至建筑感，例如云岗北魏露天坐佛和龙门奉先寺唐代大佛，就是杰出代表。

六、中国古代雕塑既然是意象性的，注重“以形写神”，必然也象中国绘画一样，注重头部的刻划。

中国古人认为“头者精明之主也”。

（《黄帝素问》）“头者，神所居，上圆象天。

”（《春秋元命苞》）从原始时代起，人面或人头，在工艺装饰中就受到特别重视，这应是中国古代造型艺术发展为特别重视传神的原因之一。

这种重视贯穿了几千年，直到今天，在民间雕塑和农民画中，头部仍是艺术家首要表现的部分。

头部以外的人体部分，便被看作是从属的，较为次要的。

这样，在中国古代雕塑和绘画中，头大身小逐渐变成一种习惯造型，一旦头身关系处理不好，在视觉上便难免造成不舒服的特点，这是不必为古人护短的。

然而优秀的作品常常把人们的注意力，从缺点中吸引转移集中到刻划精彩的头部来。

这些头部看似没有西方雕塑深入，可是结构十分严谨。

搞过雕塑的人都有体会，临摹西方雕塑易，临摹中国古代雕塑的头部却相当困难。

它们不如西方雕塑结构准确分明，却另有一种完美性，神完气足，很不易临摹到那种境界。

在头部以外，又用充满韵律的身体衣纹线条来发挥美感，使人受感染的不是比例结构的准确本事，而是传神美化的功夫。

龙门奉先寺大佛、服侍菩萨与天主力士像都严重头大身小，但依然很美，非常典型地说明了中国古代雕塑的这一特点。

七、中国古代以“温柔敦厚”为诗之旨，这和中华民族的气质、生活条件、地理环境、哲学思想、伦理道德观念及其他文化因素密切相关。

另的艺术也如此追求，表现在造型艺术上便是含蓄美、内在美。

雕塑亦然，中国古代雕塑给人的感觉不象西方古典雕塑那样一览之下、历历在目，而是神龙露首不露尾、含不尽之意于象外。

没有剑拔弩张，向外张扬的火气，而是象中国书画用笔藏锋那样将力量包裹在内部，给人更多品尝的余味。

例如严阵以待的秦始皇陵兵马俑、载歌载舞的汉唐女俑、孔武威风的唐代天王力士，乃至雄强猛厉的南北朝辟邪和唐代石狮，都有这种效果。

比较一下掷铁饼者力量的紧张迸发和拉奥孔群象情绪的激烈发泄，就能够领会中国古代雕塑含而不发的美感特点。

它是与其他中国古代艺术的审美理想相一致的，就象西方雕塑与绘画的审美理想也相一致一样。

欣赏中国雕塑时也许会觉得不如西方雕塑痛快顺溜，这就象喝酽茶和喝咖啡不同一样，不能相题并论。

喝茶需要品味，如若不谙茶道，便永远进不了茶的境界。

展开全部中国家具起源于夏朝，经历了不同时期、七个阶段的发展历程与变革：第一阶段——夏、商、周：中国早期家具的雏形阶段，开始第一个家具命名为“榻”；（史前~公元前年）年~年，中国社会科学院考古研究所在发掘山西襄汾县陶寺村新石器时代晚期遗址（公元前年~前年）时，从器物痕迹和彩皮辨认出随葬品已有木制长方平盘、案俎等，这是迄今发现的最早的中国木家具。

公元前世纪，中国发明了青铜冶炼和铸造技术，出现了坚利的金属工具，为制造木器用具提供了条件，致使西周以后木家具逐渐增多。

在《诗经》、《礼记》、《左传》的记载中，这一时期的木家具已有床、几、扆（屏风）和箱等。

同时，也出现青铜家具。

从出土文物中见到的商代铜禁和饕餮蝉纹铜俎，反映出这一时期青铜家具在铸造技术以及实用、装饰方面都已达到较高的水平。

第二阶段——春秋、战国及两汉：比较低矮的家具诞生；（公元前年~前年）战国时期，漆木家具处于发展时期，青铜家具也很大的进步。

木家具如几、案、床类形体较大的家具，多为框架结构，以榫卯连接。

常用的榫接形式有十字搭接榫、闭口贯通榫、闭口不贯通榫、开口不贯通榫、明燕尾榫等。

如信阳楚墓出土的大木床、雕花漆几、木俎等，在足与框架、足与案面、屉板木梁与边框、围栏矮柱与床框之间的连接，就采用了以上各种榫接方法，结合牢固，外形美观。

几、案类家具的足底，常加一根横木，称为＂桧＂；（＂桧＂；通＂跗＂，为家具之足。

）它既能支承和固定器足，又能保护器足。

这些结构经历代不断改进、发展，形成中国传统家具的重要特征，并沿用至今。

（公元前年~公元年）秦汉时期，在继承战国漆饰的基础上，漆木家具进入全盛时期，不仅数量大、种类多，而且装饰工艺也有较大的发展。

这一时期家具的主要特点是：（）大多数家具均较低矮。

（）始见由低矮型向高型演时的端倪。

西汉时，由印度传入榻登。

《释名》注：＂榻登，施之大床前小榻上，登以上床也。

＂既在床前设榻登上床，说明床的高度有所增高。

又据《太平御览》记载：＂灵帝好胡床。

＂胡床是西北游牧民族的一种可折叠的轻便坐具，坐时垂足。

由席地坐演进为垂足坐是家具史的上一大变革。

（）出现软垫。

《西京杂记》中记述，汉时天子的玉几上冬天加有丝绵织物，大臣的木几上则加用橐（毛毡缝制的口袋）。

这是最早出现的软垫。

（）制作家具的材料较为广泛。

除木材外，还有金属、竹、玻璃、玉石等。

第三阶段——魏、晋、南北朝：高形家具的出现；（年~年）魏晋南北朝是中国历史上的一产次民族大融合时期，各民族之间文化、经济的交流对家具的发展起了促进作用。

此时新出现的家具主要有扶手椅、束腰圆凳、方凳、圆案、长杌、橱，并有笥、簏（箱）等竹藤家具。

床已明显增高，可以跂床垂足，并加了许可床顶、床帐和可拆卸的多折多牒围屏。

坐类家具品种的增多，反映垂足坐已渐推广，促进了家具向高型发展。

第四阶段——隋唐及五代：高形家具盛典时期，高矮形家具并存发展；（~年）中国家具发展至唐代进入了一个崭新的时期。

它一改六朝前家具的面貌，形成流畅柔美，雍容华贵的唐式家具风格。

至五代时，家具造型崇尚简洁无华，朴实大方。

这种朴素内在美取代了唐代家具刻意追求繁缛修饰的倾向，为宋式家具风格的形成树立了典范。

隋唐五代时期，家具发展有两个主要特点：（）家具进一步向高型发展，表现在坐类家具品种增多和桌的出现。

《通雅》记载：＂倚卓（椅桌）之名见于唐宋。

＂六朝已有椅凳，唐代更趋流行，几、案高度皆以坐面为基准，坐具既高，桌的出现势为必然。

家具高型化又对住室高度，器物尺寸、器物造型装饰产生一系列影响。

（）家具向成套化发展，种类增多，并可按使用权用功能分类。

大致可分为：坐卧类，如凳、椅、墩、床、榻等；凭椅、承物类，如几、案、桌等；贮藏类，如柜、箱、笥等；架具类，如衣架、巾架等；其他还有屏风等。

五代画家顾闳中在《韩熙载夜宴图》中就描绘了成套家具在室内陈设、使用的情形。

第五阶段——宋、元：高矮形家具较多、繁杂；（年~年）宋代是中国家具承前启后的重要发展时期。

首先是垂足而坐的椅、凳等高脚坐具已普及民间，结束了几千年来席地坐的习俗；其次是家具结构确立了以框架结构为基本形式；其三是家具在室内的布置有了一定的格局。

宋代家具正是在继承和探索中逐渐形成了自己的风格。

宋代家具以造型淳朴纤秀、结构合理精细为主要特征。

在结构上，壶门结构已被框架结构所代替；家具腿型断面多呈圆形或方形，构件之间大量采用割角榫、闭口不贯通榫等榫结合；柜、桌等较大的平面构件，常采用＂攒边＂的做法，即将薄心板贯以穿带嵌入四边边框中，四角用割角榫攒起来，不但可控制木材的收缩，而且还起到装饰作用。

此外，宋代家具还重视外形尺寸和结构与人体的关系，工艺严谨，造型优美，使用方便。

家具种类有开光鼓墩、交椅、高几、琴桌、炕桌、盆架、座地檠（落地灯架）、带抽屉的桌子…

展开全部由于历史、文化、传统与习俗等多方面的差异，东方人在看待西方的家具设计时，会产生许多困惑，这些困惑主要表现在以下几个方面，第一：由于价值判断的不同。

国人买家具首先关注的是材质，如黑檀还是花梨；欧洲家具材料选择范围较小，主要以橡木、桃花心木、胡桃木为原料，因此，强调设计而非材料。

第二：文化元素与装饰符号的不同，以明清为代表的中式家具图案一般采用山水、花鸟、民间传说等；而欧洲家具的装饰图案一般采用宗教故事、战争场景、西方民俗等作为设计对象；第三：中式家具除了木材之外很少采用其它材料进行修装家具，而欧洲家具则无所不用其极，如黄金、象牙、银嚣、宝石、皮革、大理石等等?。

除了上述三点之外，还有一个最重要的原因是我们对欧洲的历史与文化缺乏必要的了解。

家具是一个国家、一个民族发明历程最直接的记录，缺乏对这些基础知识的了解，也许就很难读懂欧洲家具的设计了。

托斯卡纳风格是乡村的，简朴的，但更是优雅的，它是建筑与大自然有机结合。

将当地奶白的象牙般的白垩石，出名的金色托斯卡纳阳光，红色的土壤，浓绿的森林，葡萄园和牧场，和浅绿的托斯卡纳风格托斯卡纳风格橄榄树果园，更有深色的红宝石光泽的Chianti酒和鲜红的番茄各种颜色调和在一起就是托斯卡纳。

在建筑外观上，一般通过天然材料，如石头、木头和灰泥等来表现建筑的肌理，其多采用的红色陶土屋瓦及灰泥墙面涂层，都是非常具有意式乡村风格的元素。

托斯卡纳建筑风格是一种田园式园林风格，密荫，喷泉，壁饰，庭院，铁艺，百叶窗和阳台，甚至隔墙上的藤蔓，都包涵着托斯卡纳风格的精髓。

设计注重对线条、造型和颜色块面的灵感性运用。

…

明式家具与现代主义家具之美家具，可以说伴随着人类文明的开始，便与我们难舍难分。

从古至尽、不分地域，只要有人类生存发展的地方就会有家具文化的痕迹。

在家具上的设计可以客观的展现一个时代审美倾向，而至今我个人认为所见过的最美最有魅力的是明式家具与现代主义风格的家具这两种。

它们都有一个共同点，便是样式上的简洁，功能上的合理。

这种简洁它不会因时代的变迁而失去设计感，这种美着实让人感动。

将现代主义年代的家具与中国黄金时期的家具作一比较，时间是、世纪与、世纪，这样两个不同时期的家具放在一起，他们同样具备现代感。

这让我们思考是否简洁的设计可以历久弥新？结构功能主义的设计是否生命力更持久？先看一下明代家具的特色，古典中国明代家具具备了一种永恒的普世的美感。

明代当时的中国，对它的文人学者而言是一个流动的社会，这样一种社会形式也在家具上产生了反映，为了流动和旅行的需要，家具既需要实用，又需要方便拆卸、折叠，因此它不会采用浆胶、钉子或任何永久粘和的方式去制造它们。

这样的家具就要求了这个民族和时代的人民具备了强烈的理性思维，同时在工艺上精益求精，就使得明代的家具在中国其它时代的家具行列里显现地如此的卓越不群。

明代家具：造型简练、以线为主：严格的比例关系是家具造型的基础。

与功能要求相符，无累赘，整体感觉就是线的组合。

其各个部件的线条，刚柔相济，挺而不僵，柔而不弱，表现出简练、质朴、典雅、大方之美；结构严谨、作工精细：卯榫结构，是科学和艺术的完美结合。

时至今日，家具仍然牢固如初；装饰适度、繁简相宜：装饰手法，多种多样，雕、镂、嵌、描，等。

装饰用材也很广泛，珐琅、螺甸、竹、牙、玉、石等。

但决不贪多堆砌，也不曲意雕琢，而是根据整体要求，恰如其分的作局部装饰；木材坚硬、纹理优美：自然优美充分利用木材的纹理优势，发挥硬木材料本身的自然美，这是明代硬木家具的又一突出特点。

明代硬木家具用材，多数为本有美丽色泽与木纹地高级硬木，黄花梨、紫檀、鸂鶒木等。

比较一下现代主义设计下的家具，提到现代主义，必须提到功能主义风格的家具，则起源于德国现代主义之祖的包豪斯学院，包豪斯推崇“功能决定形式”，与当时的欧洲开始流行奉信新教有关，这样的观念与中国古代的儒家文化提倡的简朴节约相似，都追求着朴实无华的美感。

包豪斯运动带领下的现代主义设计作品与传统流派拉开距离，扬弃了以前欧洲传统的家具中那种繁复的表面浮华的装饰，而是用“少即是多”的理念传达着现代主义风格的美丽。

这里的＂少即是多＂的理念设计出来的作品的感觉就与明式家具中造型简洁、以线为主的要点相合拍。

现代主义家具的设计作品中的装饰更是通过它本身的造型与材质的运用，一气呵成的产生自身的装饰美感，而拒绝那种后来加上的，所谓的“点缀”的任何装饰手法。

现代主义的家具设计尝试使用各种各样的欣欣材料，就象明式家具中运用木材本身的纹理优势一样，现代主义的家具中使用的各种各样的材料也力求体现他们本身呈现出来的美感，如彩色的各种塑料，纤维，玻璃……还有使用钢管，胶合木等一些廉价的素材，并不是再象欧洲传统那样再再昂贵的木材上雕饰各种花纹或者再镶金嵌银。

包豪斯的设计师们坚信借由金属、夹板、塑胶、玻璃等新式材质，加以工业制造，能大量生产出兼具美学与经济实用的家具。

而随着工业技术的进一步发展，包豪斯的设计风格更加入了人体工学的研究和新式材质的开发。

无论是造型独特的椅子，或是强调舒适感的沙发，其功能性与装饰性恰到好处的结合。

并且现代主义家具的设计与明式家具一样，需要流动便携，于是这个共同点符合现代的口号“形式追随功能”即，功能主义。

这一原则衍生出自己的一套审美体系——简约主义、极简主义……并产生了许多功能形式完美统一的理性主义的优良设计。

明式家具与现代主义家具的设计样式，其实为我们提供的是一种生活的形式之美这样的设计给人提供了一种很好的精神方面的生活方式，使人不被俗世所困，可以更注重原始本能的生活形态，以及满足人对精神世界追求的一种渴望。

罗马雕刻家除了表现统帅、英雄人物、全家群像、夫妇合像、单人墓碑像外，还在罗马的建筑、广场、纪念柱等上面装饰了许多圆雕和浮雕。

三世纪较有名的建筑为塞普提米乌斯、谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室。

古罗马雕塑是西方古代文明的重要组成部分，它对西方现实主义雕刻的发展作出了杰出的贡献。

历史上一般称欧洲的封建社会为“中世纪”，艺术史上把古罗马以后到文艺复兴前这段时间的西方艺术称为“中古世纪的艺术”，它延续了年左右。

在中世纪的欧洲，基督教成为封建统治的有力支柱。

因此，欧洲中世纪的雕塑主要为基督教服务。

中世纪盛期的文化艺术，经历了罗马式时期和哥特式时期。

教堂建筑成为当时主要艺术载体，许多优秀雕刻家从事教堂建筑的装饰雕塑和内部陈列的圆雕工作。

法国的安高莱姆教堂，康城的三圣教堂，德国盖因拉德的圣基列阿教堂中的许多雕刻，都具有代表性。

罗马式教堂以其坚厚、敦实的形体显示教会的威力，哥特式教堂以其灵巧、尖挺的上升力量控制观者的精神感情。

教堂建筑中彩色玻璃窗画的明暗变化，各色各样轻巧玲陇的雕花图案和壁上的雕塑，都有助于加强宗教神秘的气氛。

哥特式教堂代表了中世纪建筑艺术的最高成就，如著名的巴黎圣母院、沙脱尔教堂、理姆斯教堂等，都是哥特式教堂。

而哥特式雕塑则基本上代表了中世纪保守落后的宗教艺术。

世纪的法国雕塑中，哥特式艺术反映现实倾向增强，对人物姿态、表情、形体等方面开始夸张强调，为宗教服务的哥特式雕塑开始出现了新兴资产阶级艺术的萌芽。

中世纪的雕塑有精华有糟粕，许多作品中充满迷信、荒诞的宗教内容，但从艺术遗产的角度来看，当时的雕塑家们也创造了不少属于人民的、有积极因素的好作品，在世界美术史上占有相当重要的位置。

从世纪后半叶开始一直世纪，文艺复兴文化在欧洲许多国家产生和形成。

在欧洲的许多先进国家里，文化艺术达到了高度繁荣，文艺复兴掀起了欧洲文化艺术发展的一个高峰。

文艺复兴文化是反对封建宗教的文化，提倡复兴希腊罗马古典文化，起领导作用的是正在形成中的资产阶级。

文艺复兴时期的雕刻，继承并发展了希腊、罗马雕刻艺术的传统，使雕刻艺术达到了高度繁荣，文艺复兴时期的著名雕刻家，差不多都集中在佛罗伦萨。

最先出现的雕刻大师是季培尔蒂，佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作。

伟大的雕刻家米开朗基罗把这两扇大门赞誉为“天堂之门”。

同一个时期的伟大雕刻家还有多那泰罗、委罗齐奥等。

而米开朗基罗的出现，则标志着文艺复兴时期的雕刻艺术发展到了最高峰。

他们以写实的手法，用准确的人体解剖学，塑造人物形象，使人的形态有很强的力度感，以雕刻的艺术语言塑造传神的形象和高度的技巧手法。

文艺复兴时期的雕刻艺术对后期的雕刻家有极大的影响。

西方中世纪和文艺复兴时期油画多有于取材古希腊神话（及其发展–古罗马神话）的，而在西方雕塑发展史上，古希腊雕塑代表着一种美学高度。

希腊艺术家确立规范和原则，对后世西方艺术创作产生了深远影响，文艺复兴时期和新古典主义的雕塑艺术就以其为标杆。

古希腊的艺术家确定了最美的人体的原则。

公元前世纪的希腊古艺术家波利克里托斯是第一个“规范”了“美”的艺术家，他从纯数学理论角度，计算出一个做为人类身材范本的男士应该具有的身材比例。

他是“黄金分割律”的鼻祖。

并且，评判他人、修炼自己的身材仪容也成为古希腊人的习惯。

“苏格拉底一贯认为：凡是身材不佳、仪容不整的人都是没有公共精神、不积极参与公共事务的人。

在苏格拉底的眼里，公民身材肥硕问题属于公共事务的范畴，而肥胖也是政治问题。

”尼采就曾说过，要在“身体上做一个古希腊人”。

有意思的是，如果不是马其顿亚历山大大帝东侵印度，将雕塑艺术带到恒河流域，恐怕流传到东方各国的佛教也就不会有后来繁荣不已的造像艺术（云冈，龙门，莫高窟，巴米扬大佛…），甚至在佛教、道教（借鉴了佛教的传教形式）的寺庙里也不会供奉着偶像。

因为，古印度的宗教传统里是不崇尚偶像崇拜的。

坦胸露乳的佛像，恐怕也只能来源于古希腊的文明吧！【吻】＂LeBaiser＂奥古斯特.罗丹（法国，~）罗丹是法国的著名雕塑家，创作风格深受米开朗基罗影响，擅长人物、情感及动态的深入刻画。

「吻」是罗丹众多的知名作品中，少数能与「沉思者」相提并论的名作；藉由罗丹这件神来之作，但丁「神曲」里保罗与法兰契斯卡的悲剧爱情，得以感性地呈现出刹那间的永恒【遗弃】＂L’abandon＂卡蜜儿.克劳戴（法国，~）年与卡蜜儿热恋中的罗丹完成名作「吻」，两年后卡蜜儿完成了「遗弃」的陶塑原模。

此作取材自印度爱情神话，原名「沙昆达娜」，又名「委身」，后才更名为「遗弃」；作品的易名道尽了卡蜜儿与罗丹的恋情始末，此作也彷佛影射罗丹跪在被遗弃的卡蜜儿面前请求宽恕。

奇美收藏的是，出卡蜜儿在年法国艺术家沙龙展中的参展原作，系为年铸铜而成。

【人型的橱柜】＂CabinetAnthropomorphoque＂萨尔瓦多….